10 películas difíciles de entender, según la crítica

Las críticas de cine dan argumentos que pueden llevarnos a ver una película o no. Te presentamos 10 títulos con un contenido difícil de entender, según expertos
viernes 29 de julio de 2022
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Quizá nuestra pasión por series o películas difíciles de entender esté vinculada a una necesidad de comprender lo inexplicable. Buscamos llevar nuestra mente más lejos y decodificar lo que quiso decir el creador o el director y así convertirnos en mejores espectadores. 

Por supuesto hay una cantidad enorme de estas cintas, pero aquí juntamos las más mencionadas por los críticos y la audiencia como inexplicables y confusas. Como extra, explicamos un poco de qué va cada una y por qué resultaron tan extrañas para la audiencia.

2001: A Space Odyssey - Director: Stanley Kubrick - (1968)

Tiene más sentido el final de A Space Odyssey cuando nos enteramos de que hubo un libro lanzado de forma simultánea, el cual sirve como un acompañamiento a la historia. 

La mayoría de las secuencias no presenta problemas y de hecho explican a la perfección el papel del monolito que vemos durante la secuencia de los hombres prehistóricos, y el cual aparece de nuevo en la luna. Sin embargo, la escena final, en la que un astronauta viaja hacia Júpiter pasando por distintas etapas de su vida hasta que ve una especie de feto gigante, es la que deja a la audiencia perpleja.

Siguiendo el patrón de la historia, el monolito representa el avance de la humanidad hacia su próximo paso. La llegada del humano a Júpiter y las experiencias que tiene una vez ahí son explicadas como visiones presentadas por el monolito, llevando a la humanidad a un plano completamente relativo e independiente de lo que nosotros comprendemos como normalidad. El feto que vemos al final representa el hombre en esa nueva etapa metafísica, la cual es muestra del futuro que le espera. 

No Country for Old Men - Directores: Joel y Etan Coen - (2007)

Los hermanos Coen crearon una de las cintas más aclamadas del siglo XX con una historia muy poco convencional, anti-climática, y bastante contemplativa. La cinta sigue a un asesino que escapa y avanza quitándole la vida a las personas basándose en un hecho fortuito como un juego de cara o cruz. Asimismo, vemos a un Sheriff que investiga su caso, y un policía que se enfrenta a distintos dilemas morales.

La obra no tiene una estructura tradicional y carece de un clímax y de un final que le de conclusión a algo, esto ha provocado que gran parte de la audiencia no entienda de qué se trata o terminen frustrados sin saber por qué vieron la cinta. Diversos análisis apuntan a que la cinta es un análisis de la moralidad y la inevitabilidad del destino en distintas perspectivas. Asimismo, habla sobre cómo un personaje puede no tener motivos claros, sino un pensamiento completamente independiente lo cual hace de que el mundo no sea “un lugar para los débiles”.

There Will Be Blood - Director: Paul Thomas Anderson - (2007)

Similar a la cinta anterior, y lanzada el mismo año, There Will Be Blood de Paul Thomas Anderson tiene una historia que carece de un clímax o resolución tradicional, dejando que la audiencia llene por sí misma los vacíos a través de los hechos que vieron. 

La cinta sigue a un minero de petróleo que se hace rico después de explotar determinadas tierras y el conflicto que crece entre él y el pastor de un pueblo, quien es un religioso extremista. Con el tiempo, ambos se ven debilitados en su poder sin un sentido claro de la vida. 

There Will Be Blood, tal como resaltan los expertos y críticos, es un fuerte análisis de la historia norteamericana y el fracaso tanto del sueño americano capitalista, como del papel de la religión en la sociedad. 

The Tree of Life - Director: Terrence Malick - (2011)

Una de las películas difíciles de entender de Terrence Malick, pero cuya esencia básicamente revela el significado de todo. 

La cinta presenta a miembros de una familia en distintas etapas de sus vidas, mientras se presentan imágenes del espacio, del universo y la biología para intercalar con algunos pensamientos sobre la vida, la muerte, el destino y más. 

En realidad no es más que una cinta contemplativa que busca representar el ciclo de la vida y la conexión de los elementos naturales con la humanidad, incluso regresando al inicio de la creación para darle un mayor significado a los eventos que, aunque parecen fortuitos, se consideran consecuencia del destino. 

The End of Evangelion - Director: Hideaki Anno

Más que la crítica, los fanáticos constantemente hacen chistes sobre el final del anime Evangelion y lo poco comprensible que es (al menos para el ojo no entrenado en la serie). La película es una conclusión para la historia de la serie y su estilo caótico hace que sea poco comprensible lo sucedido, además de que –por su velocidad– a veces no quedan tan claras las decisiones de los personajes. 

En general la última escena es la que provoca confusión, y es que después de que Shinji decide regresar a la humanidad, reaparece en un planeta aún desolado sólo con Asuka. El chico procede a mirarla y a sofocarla, pero ella responde acariciando su rostro, diciendo sutilmente “Qué asco”. 

Según los expertos y los fans, esa última línea puede tener múltiples significados, pero más allá de eso, la escena es Shinji queriendo sentir el rechazo que lo hizo odiar a la humanidad en un principio, y representa el nuevo inicio de la humanidad. Es bastante complejo, pero en términos generales eso es la conclusión. 

Enemy - Director: Denis Villeneuve - (2014)

Inspirada parcialmente en la novela El Doble de José Saramago, esta es probablemente una de las películas más confusas en la historia, cuya temática se enfoca más al subconsciente que a la realidad. 

El protagonista es un hombre que descubre que hay un actor idéntico a él y se obsesiona con conocerlo, pensando que en parte se ha encargado de tomar su identidad. 

El final es uno de los más comentados en la historia reciente, con elementos de Franz Kafka y bastante surrealista, pero no da una sola respuesta, sino que lo deja abierto a interpretación, sugiriendo tanto que el protagonista ha perdido la cabeza y que en realidad los dos son reales, pero que hay elementos que nunca dejan de atormentarnos como personas.  

Mother! - Director: Darren Aronofsky (2017)

Mother!, del director de Requiem for a Dream y Black Swan generó una completa división dentro de la audiencia y la crítica, con algunos señalándola como incoherente e incomprensible, mientras que otros admiraron las múltiples interpretaciones que podía cobrar la historia y sus elementos visuales. 

La historia presenta a un matrimonio que vive en una casa que parece alejada del mundo. Ella se quiere dedicar a repararla mientras él trabaja en su novela. Sin embargo, la visita de unos cuantos personajes comienza a generar un fuerte caos que comienza a sacar la locura del hombre mientras que ella trata de mantener todo en orden, desesperada de que quieran invadir su hogar. 

La cinta ha sido señalada como una alegoría a la naturaleza y el papel de los humanos, además de que usa elementos bíblicos para desarrollar la historia. Ella representaría a la Tierra, él a Dios y los primeros invasores son Adán y Eva, y el caos que prosigue es el egoísmo de Dios dejando que sus seguidores destruyan la Tierra. 

Synechdoche, New York - Director: Charlie Kafuman - (2008)

Película debut del genio Charlie Kaufman, la cual es el punto más alto de sus creaciones y de su estilo experimentar de narración. 

La cinta presenta a un director de teatro, quien está obsesionado con crear una producción enorme y masiva que rompa los paradigmas entre la ficción y la realidad. Aunque el inicio parece normal, conforme avanza, la producción de teatro se comienza a hacer tan grande que invade la realidad y el director trata de lidiar con su propia vida mientras averigua cómo desarrollar la obra en la que trabaja. 

Al final de la película, vemos cómo la salud del protagonista se deteriora, al igual que su mente, y vemos básicamente cómo muere en medio de todo el caos. 

El significado no es complicado. La obra busca evocar la línea de Shakespeare que “el mundo es un escenario” y a través de la mente del personaje vemos esa evolución, cómo la realidad inevitablemente se traslada a su ficción hasta que sucede lo contrario e incluso pierde el toque con la verdad lejana de los valores de una historia, creando su propia realidad. Quizá no sea suficiente explicación para algunos pero si se ve más de una vez, se hace más claro ese mensaje. 

Donnie Darko - Director: Richard Kelly - (2001)

Nosotros creemos que no es tan difícil seguir el hilo de Donnie Darko, pero aún así sigue siendo mencionada como una de las películas difíciles de entender, quizá debido a su final y todo el asunto de viajes en el tiempo.

La cinta sigue a Donnie (interpretado por Jake Gyllenhaal) quien comienza a sufrir visiones de un hombre vestido de conejo quien le dice que el mundo llegará a su fin. Investigando sobre viajes en el tiempo y fallas temporales, el chico busca evitar ese momento. 
 
Al final Donnie logra usar un vórtice temporal para regresar al pasado causando su muerte, lo cual salvaría a su interés amoroso y mejoraría la vida de quienes viven a su alrededor. 

Mullholland Drive - Director: David Lynch - (2001)

Se podría argumentar que ninguna cinta de David Lynch es fácil de entender, pero en definitiva su obra maestra tiene mucho qué ofrecer, siempre y cuando la audiencia esté dispuesta a tratar de descifrar su mensaje. 

La obra presenta a una aspirante a actriz llamada Betty Elms quien llega a Hollywood y se hace amiga de una mujer que acaba de sufrir un accidente de auto. Asimismo, se presentan otros personajes alrededor de la ciudad con diferentes arcos que muestran un lado un poco oscuro de Los Ángeles. 

En general la cinta es difícil de seguir al presentar una narrativa poco convencional sin explicaciones claras de lo que sucede. Lynch ha dejado todo abierto a interpretación y aunque no hay un consenso definido, es vista como una carta de amor “oscura” hacia Hollywood mientras juega con los sueños, las esperanzas, expectativas, y lo que significa el éxito. 

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Fuente: GQ